THERE WAS HERE FIRST, solo exhibition

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

FRANCESCO DE PREZZO

THERE WAS HERE FIRST,

solo show at Fondazione Musil –  14 MAY – 2 AUGUST  2016

 

TEXTS / TESTI                              TRANSLATION / TRADUZIONE

 

Marine Tanguy                            Francie Andrews

Alberto Zanchetta

Nicola Mafessoni

Paolo Canevari

 

 

MURAILLE DE PEINTURE                                                                                                                                                                    

 

 

 

It was Rainer Maria Rilke who reminded us that Paul Cezanne stood up right in the middle of a meal «when he told of Frenhofer – the painter that Balzac, with incredible foresight of future developments, invented in his story Le chef-d’oeuvre inconnu […] – and, losing his voice from excitement, points his finger, repeatedly, with clarity to himself and shows himself, himself, himself, however much pain could be in this»[1]. This same episode would be recalled by Émile Bernard, who described Cézanne intent on striking his chest with his index finger, affirming that he was the protagonist of the novel and in doing this his eyes had turned red to the point that they seemed about to erupt into a river of tears. Not wrongly, Cézanne had ended up identifying himself in Frenhofer, a conviction supported by Poussin who, as in the role deuterogamist of the novel, ends up by comparing the oeuvre inconnu to a muraille de peinture (The Maestro di Aix was known to declare that he wished to redo “Poussin sulla natura”, meaning that he hoped to render Impressionism as solid and durable as the paintings of the old Masters). Cézanne has often been defined as an architect because of his irreducible volition to build image; indeed, with a few touches of colour he was able to obtain this much longed for plastic solidity. But despite the fact that his paint strokes were pregnant with structure and meaning, there are those who had unjustly demeaned him to mediocre bricklayer. Salvador Dalí, for example, taunted him by defining him as a «Neoplatonic bricklayer»2.  No less lenient had been Manet’s judgement who presented his friend as a bricklayer painting with trowel, an invective recalled in the pages of L’instransigeant, where Henri Rochefort laughed at a head, by Cezanne, the cheeks of which seemed to have been “hammered with a trowel”.       Despite the opinion of his detractors, Cezanne’s trowel-paintbrush could obtain that sublime wall of painting that we, today, admire and envy. The oppression of the image – this concealment that holds in itself the prophecy of an iconographic oblivion  in reality hides a yearning for perfection, always neglected, always unquenchable. Incessantly accumulated, the layers of painting described by Balzac end up denying/ sacrificing the previous work. This is what happens in the works of Francesco de Prezzo, the latest in a series of new Frenhofers who in the preceding decades had moved from the Erased De Kooning by Robert Rauschenberg and the übermalung by Arnulf Rainer. Also the overpainted paintings by Joan Miró, Enrico Baj, Asger Jorn and Peter Schuyff had detracted from the pre-existing image.

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1. Honoré de Blazac, Il capolavoro sconosciuto, BUR, Milano 2007, p. 50.

2. Salvador Dalí, I cornuti della vecchia arte moderna, Abscondita, Milano 2008, p.81.

 

Their ‘over-painted works’ are nothing but canvases bought at second hand markets on which the artists have decided to intervene with the purpose of irony. Filtering past and present art over-painting is typical example of first the avant-garde debate and then the post-modernist one. However, De Prezzo’s case is different: the artist does not use some tableaux trouvés but he himself paints the image which he will then erase with wide, white backgrounds. Playing on the lexical ambiguity of the work ‘painter’ (painter) (which identifies both the artist and the decorator), De Prezzo paints his subjects with the tip of his paintbrush and does it with a deference to the truth typical of hyper-realism. Technical speciousness that in the end is denied, let us even say ‘painted over’. Rather than defaced, the image is [dis]figured by the use of decorators’ rollers. The eloquence of the initial stroke, that modus pingendi which distinguishes a painter from another, is tarnished by coats that are impersonal, inexpressive and un-emotive. De Prezzo whitens the canvas just as one would a wall of a room. Once again we find ourselves facing a muraille de peinture that wants to erase the image, giving back to the canvas its pristine colour, that background white which had been violated by the pictorial gesture. In Frenhofer’s masterpiece a small anatomic shred still survived, the only evidence of his manic refining work. In the same way we are forced to rely on the very few details still untouched by the wheeling (pitiless, more than furious) of the roller to be able to [re] acknowledge the objects painted by Francesco De Prezzo. In a last analysis, we must agree that his meta-pictorial experience accepts Nietzsche’s philosophy, thus proving that creative tension can be explained by a hidden desire for destruction. These repainted paintings possess such ambiguity/ ambivalence that we are invited to consider the extermination of images as a way of material and conceptual regeneration.

 

MURAILLE DE PEINTURE                                                                                                                                                                           

 

 

 

È stato Rainer Maria Rilke a ricordarci che Paul Cézanne si alzò nel bel mezzo di un pranzo «quando questi raccontò di Frenhofer – il pittore che Balzac, con un’incredibile previsione degli sviluppi futuri, ha inventato nel suo racconto Le chef-d’œuvre inconnu […] – e, senza voce per l’eccitazione, punta il dito, ripetutamente, con chiarezza su se stesso e mostra sé, sé, sé, per quanto di doloroso poteva esserci in questo»[1]. Lo stesso episodio sarà ripreso da Émile Bernard, il quale descrisse Cézanne intento a percuotersi il petto con l’indice, affermando di essere lui il protagonista del romanzo, e nel fare ciò gli occhi gli si erano arrossati a tal punto che sembravano dover scrosciare in un fiume di lacrime. Non a torto, Cézanne aveva finito per immedesimarsi in Frenhofer, convinzione suffragata dalla presenza di Poussin che, in veste di deuteragonista del racconto, finisce per paragonare l’œuvre inconnu a una muraille de peinture (il Maestro di Aix era solito affermare di voler rifare “Poussin sulla natura”, intendendo dire che si auspicava di rendere l’Impressionismo solido e durevole come la pittura degli antichi Maestri).  Cézanne è stato spesso definito un architetto in virtù di quella sua irriducibile volizione a costruire l’immagine; con pochi tocchi di colore riusciva infatti a ottenere la solidità plastica tanto agognata. Ma nonostante le sue pennellate fossero gravide di struttura e di significato, c’è chi lo aveva ingiustamente declassato a mediocre muratore. Salvador Dalí, ad esempio, lo scherniva definendolo un «muratore neoplatonico»[2]. Non meno clemente era stato il giudizio di Manet, che indicava l’amico alla stregua di un muratore che dipingeva con la cazzuola, invettiva poi ripresa sulle pagine de L’intransigeant, ove Henri Rochefort irrideva a una testa cézanniana che pareva avesse le guance “martellate con la cazzuola”. Malgrado l’opinione dei suoi detrattori, la cazzuola-pennello di Cézanne poteva ottenere quella sublime muraglia di pittura che noi, oggi, ammiriamo e invidiamo. La vessazione dell’immagine – questo occultamento che ha in sé il presagio di un affossamento iconografico – nasconde in realtà una smania di perfezionamento, sempre disatteso, sempre inappagabile.  Accumulati incessantemente, gli strati di pittura descritti da Balzac finiscono per vanificare/sacrificare il lavoro pregresso. È ciò che accade nelle opere di Francesco De Prezzo, l’ultimo di una serie di novelli Frenhofer che nei decenni precedenti si erano districati tra l’Erased De Kooning di Robert Rauschenberg e la übermalung di Arnulf Rainer. A inficiare l’immagine preesistente ci avevano pensato anche gli overpainted paintings di Joan Miró, Enrico Baj, Asger Jorn e Peter Schuyff. I loro “quadri sovradipinti” non sono altro che tele acquistate nei mercatini dell’usato, su cui gli artisti hanno deciso di intervenire con intenti ironici. Filtrando l’arte del passato e del presente, la sovrapittura è un tipico esempio del dibattito avanguardista, prima, e postmodernista, dopo.                     Diverso è però il caso di De Prezzo: l’artista non ricorre a dei tableaux trouvés ma dipinge egli stesso l’immagine che andrà a vanificare con larghe campiture di colore bianco.                                                                 Giocando sull’ambiguità lessicale del termine “pittore” (che identifica sia l’artista che l’imbianchino), De Prezzo dipinge i suoi soggetti in punta di pennello, lo fa con una deferenza al vero tipica dell’Iperrealismo. Capziosità tecnica che alla resa dei conti viene negata, diciamo pure “intonacata”. Più che deturpata, l’immagine è [tra]sfigurata dallo scorrere dei rulli usati dagli imbianchini. L’eloquenza della pennellata iniziale, quel modus pingendi che distingue un pittore da un altro, viene offuscato da stesure impersonali, inespressive e inemotive. De Prezzo rimbianca la tela così come si farebbe con una parete di una stanza. Ancora una volta ci troviamo di fronte a una muraille de peinture che intende annichilire l’immagine, restituendo alla tela il suo colore intonso, quel bianco di fondo che era stato violato dal gesto pittorico.                  Nello chef-d’œuvre di Frenhofer sopravviveva ancora un piccolo brandello anatomico, unico indizio della sua maniacale opera di rifinitura. Allo stesso modo, siamo costretti ad appellarci ai pochi particolari rimasti indenni dallo scorrere – impietoso ancor più che furioso – del rullo per riuscire a [ri]conoscere gli oggetti dipinti da Francesco De Prezzo. In ultima analisi, non possiamo che convenire sul fatto che il suo discorso metapittorico abbracci la filosofia nietzschiana, dimostrandoci come la tensione creativa sia riconducibile a un recondito desiderio di distruzione. Questi dipinti-ridipinti possiedono una carica di ambiguità/ambivalenza che ci invita a guardare allo sterminio delle immagini come a una forma di rigenerazione materiale e concettuale.

 

  1. Honoré de Blazac, Il capolavoro sconosciuto, BUR, Milano 2007, p. 50.
  2. Salvador Dalí, I cornuti della vecchia arte moderna, Abscondita, Milano 2008, p.81.

 

Rodengo Saiano, April 2016

Dear Francesco,

 

 

I hope that you are well and I imagine happy about the imminent exhibition and publication. Congratulations and thank you for asking me to write a text, that I will shortly send you. I forewarn you that I would rather linger on some aspects of your personality, more than on the objective analysis of your work. At the least, I would like to tell of my impressions from our first chats in Galleria Minini, when, with conviction, you explained to me how difficult it is for you to paint a figure with such care only to then erase it with quick, abstract paint strokes. Or your detailed depiction of a drape, a chair and parts of your studio, to then cover almost everything.

Like if David had continued the white drapery to veil the magnificent arms of the Marat Assassiné. Or if Caravaggio had extended the red curtain over the dead virgin.           

You cover, it does not matter. You prove that you know how to paint and then you prove that it is of no use. And covering an image you uncover emotions.

I will also write about this. Of you passing from white to black, from the figurative to the abstract, from the slowness of traditional painting to the speed of new painting. Of you choosing a theme that you then abandon. I like to see how you look for a balance, or how you try to understand if there is yet another detail to hide. And imagining you on your feet, in a corner of your half empty studio, undecided between the blacks, the whites and the greys of your palette, while choosing the non-places of your paintings, as in your Whatsapp profile image.

The first time that you came into the Gallery with the blue Ritmo (bursting with canvas, oblivious of city traffic-free zone, you reminded me of certain tales of great writers, when everything works and the story follows a magical Rhythm.

I will write back soon. An affectionate embrace in the mean time.          

                                                                                                                                                                 

  Nicola Mafessoni                                                                                                                                                                         

  [Director of Galleria Massimo Minini -Brescia]

 

Rodengo Saiano, Aprile 2016

Caro Francesco,

 

 

Ti spero bene e ti immagino contento per l’imminente mostra con pubblicazione. Complimenti e grazie per avermi chiesto di scrivere un testo che presto invierò. Ti anticipo che preferirei soffermarmi su alcuni aspetti della tua personalità, più che sull’analisi oggettiva del tuo lavoro. Quantomeno vorrei raccontare le impressioni avute durante le nostre prime chiacchierate in Galleria Minini, quando mi spiegavi convinto di quanto per te sia difficile dipingere una figura con tanta cura per cancellarla poi con rapide pennellate astratte. O del tuo ritrarre minuziosamente un drappo, una sedia e parti del tuo studio, per poi coprire quasi tutto.

Come se David avesse continuato il drappo bianco per velare le magnifiche braccia del Marat Assassiné. O se il Caravaggio avesse allungato il sipario rosso sopra la Vergine morta.

Tu copri, non importa. Dimostri di saper dipingere e poi dimostri che non serve. E coprendo un’immagine sveli emozioni.

Scriverò anche di questo. Del tuo passare dal bianco al nero, dal figurativo all’astratto, dalla lentezza del vecchio dipingere alla rapidità della nuova pittura. Del tuo scegliere un tema che poi abbandoni.   Mi piace vedere come cerchi un equilibrio, o come provi a capire se ancora un altro dettaglio non sia da nascondere. E immaginarti in piedi, in un angolo del tuo studio semivuoto, indeciso tra i neri, i bianchi e i grigi della tua tavolozza, che scegli i non-luoghi dei tuoi dipinti, come nell’immagine del tuo profilo WhatsApp.

La prima volta che sei venuto in Galleria con la Ritmo Blu stracolma di tele, incurante del blocco del traffico in città, mi hai ricordato certi racconti dei bravi scrittori, quando tutto funziona e il racconto magicamente a Ritmo fila.

Ti riscrivo presto. Un caro abbraccio intanto,                                 

 

                                                                                             

Nicola Mafessoni                                                                

[Direttore Galleria Massimo Minini, Brescia]

 

 

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What can be employed to oppose the spread of moral confusion, what can be tried that may make sense and have the strength to impose order on chaos? What to create? An Artist is an integral and, at the same time by definition, different element of society and as such, in my opinion, must assume a large responsibility within it. I have reflected all my life about these questions and their solution; I know for certain that there is the possibility of a revolution and that a work of art can radically change the system. Art: its works exist as attempts, steps forward which define or will define contemporary reality, as poetic gestures. It is with this weight on their shoulders that Art and Artists move. None of us should go in the same direction as others: paths should be separate and newly trodden – dark zones into which each one of us can bring light.

Everyone on their own road tries not to form lines, queues, tries not to exist as followers of the other but as autonomous figures, independent leaders. The reality is often a different one: we forms groups, we follow trends. We try at all costs to belong, to be accepted by the social system that wants labels that can be read, names that can be recognized and by which to recognize oneself. In the majority of cases we accept a predetermined destiny: one decided by the masses that, like a cloud, moves and obscures the thought of Art.

The reflection upon and the acceptance of this reality, and the distance that must be taken from it, makes the Artist, in the best of cases, an outcast, a figure of disruption that fraternizes badly and fits badly in the milieu. I have often said that, for me, the Artist should be like a sort of virus, moving covertly within the social body: a microscopic individual amongst the multitudes, a speck that creates difficulties for the mechanism, breaking the fluid state of things, creating chinks within the accepted and established thought-system.

I feel a responsibility to create new thought, to give form to new, unknown and manifold languages, languages that can renovate themselves in ever-changing, highly adaptable succession. Reality, as it is now proposed and accepted, must be, can be changed, diversified, rendered less superficial, less restrained within the limits constructed to contain human thought. The density of ignorance, a creature that faithfully follows humanity from birth, is the dictator of the world. Its message is one of respite: stay comfortably cradled in conformity where, day-by-day, everything becomes softer and more welcoming through the flaunting of materialism as freedom.

Escaping homogenization by using the first person in discussion, risking one’s destiny through errors, falls, mistakes: this is the vocation that an Artist must (should) choose and accept. The judgment of the many that hides the few, the reference to success as ultimate goal, the acceptance of the comforting embrace of the masses, irritates me. The Artist, if genuine, searches in his own way, with personal methods of escape and confrontation, with universal and superior strength and energy.

The historical moment may cause one to misunderstand the system of things and also the response or the possible action needed to change it. Parallel realities have been generated in which it is extremely difficult to recognize the true and necessary elements. These fictions of reality create the illusion of living in a time of revolution or of being active revolutionaries, participants in a fight for change.

But the reality that must be fought is this very illusion of reality. We must search for necessity: the truth amongst all this. To create, through ones own work, a morality that is poetic, made of gestures: works that reflect this new reality. To create an opposing ethic to all that which is homologated, compliant, accepted; deconstructing, as much as possible within ones own capacity, the proposed reality: being and not appearing. Pushing those that we can reach with our message: to think.

This putting at risk of one’s own physical and mental balance is the response that an Artist can give.

We should reorder thought by basing it on directives that lack judgment; abandon ourselves to the poetic sense of things, ancestral and unexplainable. Displace the deafening chatter that comes out of mouths filled with very white teeth and thick halitosis, escape the profuse gazes made of plastic and silicone that crowd the world. Go towards a territory free from preconceptions, free from slogans recycled as words. Thus, as soon as one arrives in that place, or as soon as one has the sensation of having done, said or reached a point, we find the moment to change direction – To avoid that which is becoming easy, avoiding a stylistic character and the sense of security that this can imply.

The artist is the catalyst for this set of problems: the pioneer of this study. That which we create through artwork is the concretization of our research.

There is no absolute answer: only scholarship and metaphysical sense are of absolute quality.

I wish to live in a world in which the only hunger is that for knowledge.

Paolo Canevari                                                                                                                                                                                                

for THERE WAS HERE FIRST

 

 

 

“Perché tutto sia consumato, perché io sia meno solo, mi resta da augurarmi che ci siano molti spettatori il giorno della mia esecuzione e che mi accolgano con grida di odio.”

 

Albert Camus, Lo Straniero, 1942

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Cosa opporre alla confusione morale che dilaga, quale tentativo tentare che possa avere il senso e la forza di dare ordine al caos? Cosa creare? La responsabilità che un Artista in seno alla società deve prendersi, come elemento facente parte ma per antonomasia differente, è dal mio punto di vista grande. Ho riflettuto tutta la mia vita intorno al problema e alla soluzione, so per certo che esiste la possibilità di una rivoluzione e un’opera può radicalmente cambiare il sistema, l’Arte le opere esistono come tentativi, passi in avanti che definiscono o definiranno la realtà contemporanea, gesti poetici. Con questo fardello sulle spalle si muove l’Arte e si muovono gli Artisti, nessuno di noi dovrebbe andare nella stessa direzione degli altri, i sentieri dovrebbero essere separati e nuovi da tracciare, zone buie dove ognuno è portatore di luce. Ognuno per la propria strada cercando di non formare file, code, cercando di non essere gregario dell’altro ma figura autonoma, capofila indipendente. La realtà spesso è un’altra, si formano gruppi, si seguono tendenze, si cerca in tutti i modi di far parte di essere accettati dal sistema sociale che vuole etichette da poter leggere, nomi da riconoscere e in cui riconoscersi, si accetta nella maggior parte dei casi un destino deciso e disegnato dalla massa che come una nube si muove e oscura il pensiero dell’Arte.

La riflessione e l’accettazione di questa realtà, e il  necessario prenderne le distanze, fa dell’Artista nel migliore dei casi un reietto, un elemento di disturbo che male si accomuna e male si inserisce nel contesto. Ho spesso detto che per me l’Artista deve essere una sorta di virus che si muove segretamente nel corpo sociale, un microscopico individuo nella moltitudine, un granello che mette in crisi il meccanismo, rompendo lo stato fluido delle cose, creando falle nel sistema di pensiero accettato e costituito.

Sento la responsabilità di creare un nuovo pensiero, di dare forma a nuovi linguaggi sconosciuti e multiformi, linguaggi che possano rinnovarsi in camaleontica successione. La realtà così come è proposta e accettata deve essere, può essere cambiata, diversificata, resa meno piatta, meno rinchiusa nei recinti innalzati a contenere il pensiero umano. L’ottusità dell’ignoranza creatura che segue fedelmente l’umanità dalla sua nascita, è il dittatore del mondo, il suo messaggio è quello di distendersi, mettersi comodi nel conformismo e nella sua culla che giorno dopo giorno diventa più soffice e accogliente attraverso il materialismo sbandierato come libertà.

Fuggire le omologazioni, mettersi in prima persona in discussione, mettere a rischio il proprio destino, attraverso gli errori, le cadute, gli sbagli, questo è il destino che un Artista deve (dovrebbe) scegliere e accettare. Il giudizio dei molti che nasconde la pochezza, il riferimento al successo come traguardo, l’accettazione dell’abbraccio confortante della massa mi infastidisce. L’Artista, se vero, cerca a suo modo, con i suoi mezzi di sfuggire e confrontarsi con forze ed energie universali e superiori.

Il momento storico induce a fraintendere lo stato delle cose e anche la risposta, o l’azione possibile per cambiarlo, si sono generate finte realtà (!) parallele in cui è difficilissimo riconoscere gli elementi veri e necessari; queste finzioni di realtà creano l’illusione di vivere in un momento rivoluzionario e di essere rivoluzionari attivi e partecipi di una lotta al cambiamento. Ma la realtà da combattere è proprio quest’illusione di realtà.  Bisogna cercare la necessità, la verità in tutto questo. Creare attraverso il proprio lavoro una morale che sia poetica, fatta di gesti, opere che la riflettano. Costruire un’etica opponente a tutto ciò che c’e’ di omologato, conforme, accettato, scardinare per quanto è possibile nelle proprie capacita la realtà proposta; essere e non apparire. Spingere chi possiamo raggiungere con il nostro messaggio a pensare.

Questo mettere a rischio il proprio equilibrio fisico e mentale è la risposta che un Artista può dare.

Dovremmo riordinare il pensiero su direttive esenti dal giudizio, abbandonandoci al senso poetico delle cose, ancestrale ed inspiegabile, tralasciando il cicaleccio assordante che arriva da bocche con denti bianchissimi e alitosi pesanti, fuggendo gli sguardi profusi di plastica e silicone che affollano il mondo, andando verso un territorio libero dai preconcetti, dagli slogan riciclati come parole. Ecco appena arrivati in quel luogo, o appena si avrà la sensazione di aver fatto, detto, raggiunto un punto sarà quello il momento di cambiare la strada, evitare ciò che sta diventando facile, evitare una cifra stilistica e il senso di sicurezza che questo può suggerire.

L’Artista è il catalizzatore di questa problematica il rabdomante della ricerca. Quello che costruiamo attraverso l’opera è la fisicizzazione della nostra ricerca.

Non c’è risposta assoluta, di assoluto c’è la ricerca e il suo senso metafisico.

Io vorrei vivere in un mondo dove l’unica fame sia quella della conoscenza.

 

Paolo Canevari                                                                                                                                                                                              

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